J'AIME BIEN

La photographie est splendide, le jeu d'acteur éblouissant, la manipulation plastique des matières savante et le verbe poétique. C'est une belle expérience esthétique, pourtant il semble que toutes ces couches de fabrication du film se superposent sans jamais faire unité. Il s'agit d'une succession d'expertises qui échouent a faire atmosphère. Le spectateur n'est jamais happé dans le récit, aucune émotion ne semble liée à ce qui précède ou à ce qui suit. Le film progresse par sursauts... d'intelligence. Il manque quelque chose pour faire cinéma, mais quoi ? Peut-être d'y mettre plus d'âme que d'intelligence justement ?

On notera la référence majeure au film russe Solaris de Tarkovski (1972) même si ce dernier est bien plus troublant et drôlement plus angoissant ! Et c'est toujours un plaisir de voir continuer de circuler les motifs du cinéma hitchcockien : l'escalier en colimaçon de Vertigo (1958) et les mouettes menaçantes du film Les oiseaux (1963). Mais le film de Eggers est trop lisible, trop compréhensible là où le cinéma d'Hitchcock est déroutant. Hitch part toujours de situations banales qui deviennent incroyables, avec l'irrationnel humain qui reste opaque, insondable. Ce qui froid dans le dos devant le cinéma d'Hitchcock c'est que le fou c'est nous : a priori on ne veut pas l'admettre mais on sent bien - émotionnellement - qu'on touche du doigt quelques vérités...

Enfin, la prestation théâtrale du vieux Willem Dafoe (65 ans) face au jeune Robert Pattinson (35 ans) est remarquable. Pattinson est à la hauteur d'un Dafoe au sommet de son art, comme pour garantir que la relève des grands acteurs américains est assurée. Le film vaut surtout le détour pour ce face à face là à mon avis.

J'AIME PAS

J'avoue que je ne comprends pas où Rabah Ameur-Zaïmeche veut nous amener. Je vois dans ce film une position politique franche qui rappelle que toute Nation peut basculer dans un état de guerre civile : au début on croit être dans l'Algérie des années 90 puis il s'avère que le récit se déroule dans le sud de la France. Et je reconnais que Zaïmeche est fidèle à lui-même dans cette manière de n'être jamais dans la séduction et d'assumer l'aspect contemplatif de son esthétique cinéma faite de longs plans fixes et qui ne cherchent pas la joliesse. Mais franchement, je trouve ça froid et lourd ! Il y a quelque chose de coupable qui circule dans ces images, comme si on était tous responsables d'un monde qui va vers sa perte. Comme si Zaïmeche, tel un prophète moderne, venait nous annoncer les fléaux à venir que nous-autres pauvres libertins inconscients avons sous-estimés. 

Finalement, comme dans Joker il y a cette mauvaise idée d'une mise en scène explicite d'un "homme déchet" quand Ramzy est filmé inconscient dans des ordures, comme Phoenix était filmé tabassé par des enfants au milieu d'une rue sombre saturée de sac poubelles. C'est sans doute une idée forte qui traverse notre époque : cette nouvelle forme de culpabilité qu'on les individus (et surtout les jeunes enfants malheureusement) de se penser comme une pollution pour la Terre, et de ne plus accepter l'idée que - oui -  être vivant c'est produire du reste... et ça ne pourra pas être autrement. Seul le mort ni ne consomme, ni ne produit plus rien !

Chez Zaïmeche comme chez Todd Phillips, un certain moralisme judéo-chrétien qui prend le dessus sur le film. Ramzy Bedia a d'ailleurs ici la position christique du sacrifié, de celui qui continue à aider son prochain quitte à tout perdre : sa femme, sa santé et même sa vie. Mais le plus décevant c'est cette scène de torture qui n'a aucun sens ! (Et qui fait de Ramzy comme de Joker une victime absolue). Elle arrive comme un cheveux sur la soupe, pas crédible en terme de jeu. Et le plus ridicule c'est l'image d'après sur un tag au mur avec le mot "liberté". Est-ce qu'il s'agit de dire que l'idéal républicain de "liberté, égalité, fraternité" qui n'est pas appliqué doit forcement entrainer ces situations de haine ? Je répondrais à Zaïmeche, comme bizarrement je l'ai dis du film de Phillips, que seuls les petits enfants croient que l'égalité ça existe. Tout autant que la liberté et la fraternité ne peuvent pas s'appliquer à tout un peuple. C'est un mythe nécessaire à la nation pour tenter de faire cohésion, mais la réalité de chacun au quotidien c'est bien autre chose...

En tout cas, le cinéma n'a pas pour fonction de faire la morale au gens, mais devrait plutôt remettre de la pulsion de vie là où ceux qui n'aiment pas le monde tel qu'il est voudraient tout figer. Dans Psychose d'Hitchcock il y a une mise en scène vibrante de vitalité, et d'humour en creux, là où il s'agit de traiter avec une grande justesse de la forme la plus mortifère des troubles psychiques... Le ton du film n'a pas a épouser le ton du sujet, c'est même dans cet écart de tons que le regard du cinéaste témoigne de son recul et de son indépendance.

Joker de Todd Philips est un des films les plus marquants de l’année 2019 : C’est un véritable triomphe au box office mondial avec plus d’un milliard de recette, dont 5 millions de spectateurs juste en France! La reconnaissance critique est également au rendez-vous : le film obtient le Lion d’Or à la Mostra de Venise et la prestation de Joaquin Phoenix est récompensée dans les grands festivals  : Golden Globe, Oscar du meilleur acteur, etc.

Et c’est un film fascinant en effet. 

Mais quelle mouche a piqué Todd Philips ? Lui qui nous proposait du cinéma commercial à coup de grosses comédies potaches : Starsky et Huch (2004) ; L'école des dragueurs (2006), Very Bad Trip 1, 2 et 3 (2010 à 2013); c'était bien marrant tout ça. Puis d'un seul coup ce film Joker, ou l'histoire d'un clown morbide qui devient malgré lui le leader d'une insurrection aussi soudaine que déchainée. On dirait que Todd Philips est de mauvais humeur en ce moment ou bien qu'il est décidé à donner un caractère plus politique à son cinéma.

Néanmoins, si on prend le film au sérieux dans son ambition qui consiste à vouloir faire d’un Marvel un film d’auteur - ambition décalée mais pas illégitime ; alors le propos du film pose problème. Son réalisateur, Todd Phillips, trop préoccupé qu’il est par le spectaculaire de la forme (n’oublions pas qu’il vient de la publicité) me semble assez maladroit dans le fond.

Il s’agit dans ce Marvel Comics, de mettre en scène le Joker de Batman dans une biographie depuis son enfance qui le déterminerait à devenir un psychopathe. Todd Phillips essaye de traiter ce sujet conséquent - et pas des moins difficiles à élucider - du passage à l’acte criminel. Et pour ce faire, Todd Phillips n’est pas seulement influencé par l’oeuvre de Scorsese, mais il fait ici un remake croisé de 2 films du maestro : Taxi Driver (sorti en 1976) et La valse des pantins (sorti en 1983). Mais là où Scorsese développe des personnages complexes et profondément humains, Todd Phillips qui déclare avoir eu l’intention de faire un film “psychologique sur le Joker de Batman” n’a pas la même profondeur de vue. Et il ne suffit pas d’imiter Scorsese pour s’en sortir !

Revenons au texte filmique :  Joker qui est un film malin ! Redoutable du point de vue plastique : ce corps maigre et squelettique de Joaquin Phoenix qui contraste avec ses costumes aux couleurs chatoyantes ; ces danses pulsionnelles au milieu des rues sombres saturées de déchets ; et ce rire déformé qui sonne comme une sorte de toc entre cris et pleurs. En terme d'effets c'est très réussi ! 

Il y a aussi la bonne idée de faire de Joker faire un clown triste qui n'arrive pas à sublimer sa détresse. Un clown est toujours triste dans le fond et l’aspect comique de son jeu est une compensation nécessaire. Charlot, Buster Keaton Laurel et Hardy représentaient, comme le Joker dans ce film, des inadaptés devant la société, des déficients qui ratent tout ce qu’ils entreprennent, mais aussi des romantiques qui préfèrent le rêve au pragmatisme du quotidien. Le Joker joué par Joaquin Phoenix  ici est un clown qui échoue à fait rire, qui devient donc une sorte clown morbide. Car plus personne aujourd’hui ne voit ce qu’il y a de poétique dans le ratage. Il est une sorte d'anti-Charlie Chaplin car sa maladresse face au monde n’inspire plus de tendresse. Jusqu’ici la proposition de Todd Phillips n’est pas inintéressante ! 

Mais voilà il s’agit maintenant de mettre en scène la mécanique qui fait basculer Arthur Flex, alias le Joker de l’humiliation au crime. Et le premier écueil de construction du personnage c’est qu’il invite trop à la pitié..  Dans le film, tout le monde - au premier sens du terme - est contre lui : les politiques, ses patrons, sa mère, son père, son frère, même les enfants dans la rue et les passants du métro... Il est une sorte de victime absolue, qui semble a priori innocentée devant ses actes par cette biographie accablante. Et aucun procédé de mise à distance ne permet au spectateur de relativiser son empathie. 

Contrairement à chez Scorsese, ici le passage à l’acte criminel n’est plus la conséquence d’une aliénation tragique mais résonne comme une logique trop compréhensible. Comme si l’être devait nécessairement basculer de la souffrance au crime. Comme si les mecs de Wall Street assassinées dans le film le méritaient un peu quand même… D’habitude je n’adhère pas aux polémique qui reproche à un  film de faire l’apologie de la violence. Car la mise en scène du crime est un des moteurs de l’histoire du cinéma… sans quoi nous n’aurions pas la chance d’avoir les chef d’oeuvre tel que le Parrain de Coppola, Voyage au bout de l’enfer de Cimino, Le crime était presque parfait de Hitch,  et j’en passe !

Mais il y a un vrai soucis avec ce film de Todd Phillips qui ne prend pas les précautions nécessaire pour nuancer son propos.  Il ne peut pas prétendre montrer une logique là où il y a toujours du mystère. Il ne peut pas donner raison au passage à l’acte criminel avec autant de paresse. Si le film ne se voulait pas si psychologique, s’il était resté du côté du blockbuster bien bourrin, on ne lui en aurait pas voulu. Mais là Todd Phillips fait de la psychanalyse de comptoir pour valoriser le crime. POint de vue éthique c’est très gênant..  et c'est aussi pourquoi ce personnage de Joker n’arrive pas vraiment à s’incarner : il reste à l’état de personnage fonction. Il symbolise la misère social dans l’Amérique désenchantée d’aujourd’hui certes; mais il ne peut pas prendre forme humaine et reste donc réduit à une simple pantomine, à sorte de gesticulation frénétique. 

Arthur Fleck dans Joker termine acclamé par la foule en surplomb - debout -  sur une voiture, triomphant. Rupert Pupkin dans la Valse des pantins  de Scorsese termine également acclamé par une foule mais cette dernière forme une fosse, un trou dans lequel l'anti-héro, pathétique,  semble enterré d'avance malgré ce succès délirant. 

Pour expliquer ma position critique, repartons des deux films de Scorsese. 

Dans le premier film Taxi Driver, Travis (interprété par Robert de Niro) est un homme isolé et inadapté à la société américaine. Comme dans Joker, la première partie du film consiste à le voir essayer de surmonter ses difficultés affectives et sociales, jusqu'à un point de basculement qui le fait passé du côté du crime. Mais d'une manière tout à fait construite chez Scorsese : son anti-héro Travis veut purifier la ville de New-York en éliminant le mal, sauf qu'il devient lui-même le mal (car Scorsese nous montre que les petits mafieux que Travis assassine ne sont pas de si mauvais gars dans le fond). 

D'un côté Travis est touchant parce qu'il essaie de devenir quelqu'un de bien pour s'adapter à la société, mais d'un autre côté il s'est aliéné à l'intégrisme morale du puritanisme américain ; qu'il a pris pour argent comptant quand il décide malheureusement de faire justice lui-même et de tuer des hommes sans comprendre. Le génie de Scorsese réside dans cette mise en scène complexe du psychopathe, qu'il s'agit ni de dédouané ni d'accuser, ni d'aimer ni de haïr, mais juste de regarder en face avec toute l'ambivalence de sentiments que cela induit chez le spectateur. Travis, comme le Joker est un homme qui souffre et qui ne trouve pas sa place dans la société américaine,  mais son geste criminel reste injuste et  absurde. 

De la même manière, Rupert Pupkin (interprété par Robert de Niro encore) dans La valse des pantins de scorsese ; est comme Joker, un homme qui vit avec sa mère et qui veut devenir humoriste pour passer à la télévision. Sauf qu'encore un fois, Scorsese nous présente un personnage complexe : il est touchant quand on comprend la détresse dans laquelle il est enfermée ; en même temps qu'il reste responsable de ce peu d'effort qu'il fournit pour devenir humoriste, car il fait le choix halluciné de croire qu'on peut devenir une célébrité parce qu'on devient l’ami d’une célébrité. L’effondrement psychique de Rupert Pupkin dans le film se traduit par un crime gratuit qui montre à quel point il est fou et plus  dangereux qu’il n’en à l’air.

Ces deux portraits d'aliénés chez Scorsese sont aussi des portraits d’une Amérique violente et capitaliste, c'est pourquoi Scorsese n'est absolument pas complaisant devant les actes criminels de ses personnages, et sa mise en scène cinéma crée une distanciation qui évite le sentiment tarte à la crème du trop d’empathie.

 Arthur Fleck dans Joker termine acclamé par la foule en surplomb debout sur une voiture, triomphant. Rupert Pupkin dans la Valse des pantins termine également acclamé par une foule mais cette dernière forme une fosse, un trou dans lequel l'anti-héro semble enterré d'avance malgré ce succès délirant. Il n’y a pas  d’équivoque dans la mise en scène de Scorsese, chez qui le tueur est faussement triomphant car nettement situé du côté des bas fonds à la fin du film.

C’est peut être pourquoi Scorsese qui était producteur du film Joker au départ, à quitté le projet en cours de développement en disant “En fin de compte, je ne suis pas sûr de pouvoir développer correctement un personnage issu de comics. Ça ne veut pas dire que c’est un art mauvais, ce n’est juste pas mon style…”. Il avouera plus tard n'avoir pas eu le temps d'aller voir le film. Cela en dit long sur la considération qu'il lui prête !

Analyse sous forme de podcast radio ici:

https://www.youtube.com/watch?v=qHonLPFSHNQ&t=1s

J'ADORE

 Charles Manson hippies clan

Revenu bredouille de Cannes 2019, Tarantino signe quand même un très grand film de cinéma. Difficile a cerner certes, mais tellement fidèle à lui-même: chargé d'énergie dès les premières secondes et très stylisé : avec une bande son déraillante, une déclinaison fascinante du féminin et un moment de vengeance explosif bien sûr ! Au cinéma tout est permis comme dans un fantasme et c'est la folle liberté de Tarantino de nous livrer les siens, avec en creux une pudique sentimentalité qui finit toujours par surgir malgré la nécessité de saturer la violence. Le film commence avec de modestes lenteurs pour finir par un carnage aussi drôle que trash! Tarantino est un virtuose du cinéma (et pas seulement un recycleur de formes). Combien de réalisateurs rêveraient juste réussir une scène culte comme Tarantino nous en donne à voir encore plusieurs dans ce film : la mise en abime du jeu d'acteur de Dicaprio qui joue l'acteur qui rate puis qui se re-concentre aussi vite pour livrer le meilleur de ce qu'on peut imaginer; où ce moment où Brad Pitt défonce un hippie pour l'obliger à changer sa roue de voiture ; ou cette délicieuse adolescente qui fait du stop et devant laquelle peu d'hommes se poseraient la question de sa majorité... Et le plus audacieux est encore au-delà de tout ça : c'est ce portrait à rebrousse poil et dérangeant du mouvement hippie. Tarantino est celui qui donne un nouveau visage à l'injonction "il est interdit d'interdire" et à cette contre-culture des années 60 qui va ponctuer son déclin avec le crime atroce perpétré par "la Manson familly" dont il est question ici. Derrière Tarantino le jouisseur, il y a Tarantino l'historien qui montre l'élan avec lequel l'Amérique est entrée dans les années 1970... ce qui pourrait bien expliquer ce qu'elle est devenue 50 ans plus tard. Ceux qui avaient la vingtaine durant les sixties ont environ 70 ans (l'âge de Trump) en 2020. C'est bien cette génération qui a façonner le monde occidental tel qu'il existe aujourd'hui.

"Once upon the time (trois petits points) Hollywood" est un film difficile à lire. Pour son 9ème long-métrage Tarantino ne nous mâche par le travail, loin de là... Une première énigme se pose : alors que le mouvement hippie autrement nommé "Flower Power" reste dans notre imaginaire collectif une utopie sympathique, pourquoi fait-il un portrait si désastreux de ces communautés idéalistes qui sont apparu en Occident dans les années 60?

"Il était une fois" est l'introduction classique d'une histoire qui prend la forme d'un conte. Or le conte est un récit d'aventures imaginaires qui se distingue du roman ou de la nouvelle par l'acceptation de l'invraisemblance. Ca tombe bien, Tarantino n'en n'a jamais rien à faire de la vraisemblance ! Hitchcock non plus d'ailleurs, ce dernier n'a que trop répété aux journalistes perplexes devant ses scénarios, qu'à choisir entre l'émotion et la vraisemblance au cinéma, il choisit l'émotion. Le conte a aussi cette particularité de traverser les siècles grâce à la force émotionnelle qu'il contient associée le plus souvent à une puissante pensée philosophique.

Tarantino n'est pas du côté de la réalité, il est du côté fantasme. Ses films sont tels des rêves éveillés où les pulsions peuvent s'exprimer sans conséquence dans le réel. Qui n'a jamais rêver d'embrasser celui ou celle qui pourtant est inaccessible et nous fait baisser les yeux quand on le croise ? ou qui n'a jamais imaginer de casser la gueule à quelqu'un du boulot pourtant en réalité intouchable ?  Le fantasme de Tarantino, qu'il ne cesse de nous livrer dans toute son oeuvre,  c'est celui qui consiste à régler ses comptes à l'horreur de l'Histoire. Tarantino n'est pas un idéaliste qui croit qu'il serait possible d'éradiquer le mal des sociétés humaines. Par contre, tout ce qu'on peut faire selon lui pour compenser, c'est se réjouir ensemble d'un rêve de vengeance :

- Son film Inglourious basterds c'est la vengeance qui n'a pas eu lieu contre les nazis

- Son film Django c'est la vengeance qui n'a pas eu lieu contre l'esclavage 

- Son film Jackie Brown c'est la vengeance d'une femme noire qui n'a pas eu lieue contre l'écrasante domination masculine trans-raciale

Si tout un chacun peut fantasmer pour compenser face à celui qui lui fait du mal et devant lequel il est en réalité impuissant, Tarantino empreinte les voies du cinéma pour donner une forme démesurée à un fantasme de puissance qui dit finalement l'inverse :  à savoir à quel point l'homme est impuissant devant les fléaux de l'histoire du monde moderne : le nazisme, l'esclavage, la domination masculine, ect... Sauf qu'au lieu de s'en accabler, Tarantino met en scène - pour le plus grand bien de notre santé mentale je crois - ce drôle de sentiment qu'il y a à se réjouir de la vengeance ! Ses films nous invitent a s'imaginer reprendre le dessus sur les monstruosités de l'histoire. Car qu'en serait-t-il du monde s'il y avait décompensation ?

Dans ce dernier opus Once upon the time... Hollywood, il s'agit de carboniser des hippies. Figures majeures de notre histoire contemporaine, mais qu'il est plus difficile de ranger du côté du mal. Car le mouvement hippie est apparu dans les années 60 - au moment du célèbre festival de Woodstock - comme une contre-culture s'opposant aux modèles traditionnels qui régissaient les sociétés occidentales au début XXème siècle. Pourtant Tarantino règle méchamment ses comptes au "flower power" qu'il représente comme des gens stupides, sales et haineux ; comme aucun autres réalisateurs n'avaient oser les représenter jusqu'ici j'ai l'impression. Et ce n'est pas si inintéressant... car à regarder de plus près cette partie de l'histoire, même si l'idéologie hippie a pu partir de bonnes intentions avec des tag lines comme "faisons l'amour et pas la guerre", il s'avère que de nombreuses communautés hippies étaient organisées comme des sectes, et que l'injonction "il est interdit d'interdir" avait finit par entrainer de nombreuses dérives : adolescents sous emprises, viols de femmes, et parfois même pédophilie. Jusqu'à ce que les historiens ponctuent la chute définitive de ce mouvement qui perd tout crédit dans l'opinion publique américaine au début des années 70, après le crime atroce perpétré par la "Mason familly" : une bande de hippies décérébrés qui se trompe de maison et qui assassine la femme de Polanski, l'actrice Sharon Tate, alors enceinte de 8 mois et ses amis qui se trouvaient là par hasard. 

L'Amérique à la gueule de bois au sortir des années 60, elle déchante brutalement de l'idéal de la contre-culture hippies qui avait laisser espérer qu'il était possible de "vivre sans temps mort et de jouir sans entrave". Charles Manson est l'emblème de ce désenchantement. Leader d'une communauté hippies à Los Angeles, il a commis des crimes en série avec l'aide de ses affiliés. Le procès de la "Manson familly" est le plus long et le plus couteux de l'histoire judiciaire des Etats-unis.

C'est à cet endroit que ce nouveau film de Tarantino propose le fantasme d'une "Manson familly" qui se trompant de maison serait tombée sur Brad Pitt et DiCaprio, qui avec force et décontraction, les aurait empêcher de nuire. Petite réjouissance cinématographique devant une tragédie sur laquelle personne ne peut revenir malheureusement.

Par ailleurs, toute la construction du film pose en contraste la vie quotidienne de l'acteur (incarné par DiCaprio) VersuS la vie quotidienne des hippies de la "Manson familly": DiCaprio vit seul VS la vie en communauté, il travaille dur et se lève tôt VS la paresse jusqu'en milieu d'après-midi, il prend soin de lui et est élégant VS ils sont négligés, il respecte la hiérarchie de l'industrie du cinéma VS l'absence totale d'autorité ; mais surtout DiCaprio sait jouir de la parole (acte fondamental du jeu d'acteur autant qu'à Tarantino qui est un des meilleurs dialoguistes de l'histoire du cinéma!) alors que les hippies vivent dans un silence mortifère. Comme si jouir sans entrave empêchait l'homme de développer l'acuité du langage ? Comme si l'homme privé du plaisir de la parole - le hippie - ne pouvait prendre que l'imbécile trajet de la pulsion : certes d'abord joyeusement sexuelle (comme chez la sublime adolescente du film) mais qui ne pourra malheureusement pas empêcher ce moment de retour du refoulé, sous la forme de la pulsion criminelle  (comme le montre également très bien le film Spring Breaker d'Harmony Korine, sorti en 2012). 

Pour conclure, il me semble évident que Tarantino plaide pour le monde traditionnel pour lequel il ressent une certaine nostalgie: celui qui valorisait le travail, la hiérarchie et l'éloquence. Il considère que c'est l'effort que tout homme et femme doit faire pour entretenir les civilisations humaines, ou autrement dit la culture. Or je me risque à dire que jamais l'Amérique (et l'Occident par conséquent) n'a été aussi inculte qu'aujourd'hui. Jamais les limites n'ont été aussi éclatées qu'aujourd'hui. Jamais dans l'histoire de l'humanité les autorités n'ont autant vacillé. Nous sommes entrés dans une nouvelle ère où l'injonction à jouir est première (via l'incessant discours publicitaire). Cet état de faits n'est pas arrivé du jour en lendemain, mais provient de cette fissure qui apparait dès les années 60 sous la forme de l'idéologie hippie. Le marché est aussi une sorte de pousse au crime (au moins pour la planète) mais qui est soutenu par ces idiots de publicitaires et par la propagande marketing qui nous suggère l'idéal d'une vie vautrée dans la luxure. Le mouvement hippie selon Tarantino est un drame pour l'histoire de l'humanité. On n'est pas forcé d'être d'accord avec lui, mais c'est quand même une question sacrément troublante.

Et pour ceux qui n'aime pas trop philosopher vous trouverez quand même du plaisir à aller voir ce film : Tarantino s'amuse à y mettre un tas de citations cinématographiques et à faire s'entremêler tous les genres : c'est un peu un polar, un peu un film d'horreur, un peu un "feel good movie", un peu un film de guerre, un peu une comédie, un peu un film d'art martiaux... il y a encore beaucoup de choses à dire sur ce film... Brad Pitt est très drôle... DiCaprio très touchant... je ne commenterai pas la provocation anti-féministe... Le bel hommage à Sharon Tate me semble lui faire honneur... je m'arrête là. Je voulais surtout défendre que ce type est un génie, que ce soit dans le fond ou dans la forme. Vivement son 10ème film !

Analyse sous forme de podcast radio ici :

https://www.youtube.com/watch?v=6tHxhfwzaeg&t=1s

J'aime

Bruno Dumont est le cinéaste de gueules cassées, des gestes maladroits, des articulations hésitantes... bref des inadaptés. Et oui ça fait cinéma parce que ça permet de résister à la tyrannie de notre réalité contemporaine qui exige toujours plus de perfection, toujours plus de performances, toujours plus de pouvoir jusqu'à faire de nous des robots sans affects et sans âme.

Cette "petite" plus value de 15% que les sociétés intégrées au marché doivent faire chaque année, sont aussi les 15% demandés comme efforts supplémentaires aux gens qui travaillent pour ces sociétés. Ce sont aussi les 15% de matériaux supplémentaires à extraire de la Terre... Plus 15% chaque année ça fait plus 150% tous les 10 ans, plus 300 % tous les 20 ans. Quel individu peut avoir l'endurance de se surpasser de cette manière pour tenir la durée ? Aucun. C'est pour cela que le marché essore les individus, épuise les plus sensibles et jète dehors ceux qui perdent le rythme, pour les remplacer par du sang neuf. Pour rester dans la course il faut jouer des coudes, prendre des drogues, où n'avoir plus aucun sentiment, plus aucune conscience ni politique ni éthique. En réalité ce sont les "justes" au sens de Camus qui sont les premiers exclus. En fait il faudrait être heureux de ne pas en être ; mais tout le discours alentours est culpabilisant : "tu n'es pas à la hauteur", "tu n'es pas assez rapide", "tu n'es pas assez beau", "tu n'es pas assez intelligent", "tu seras remplacé par un robot doué d'une intelligence artificielle supérieure à la tienne", etc. Alors le compte est bon pour ce pauvre homme contemporain qu'on regarde comme un être sans valeur et sans force.

Alors Bruno Dumont débarque avec des films contre-performants, avec des acteurs bizarres qui improvisent, qui jouent mal et desquels se dégagent tant de vulnérabilité (ouf on respire enfin!). Avec des chevaux qui dansent, et des costumes qui n'ont aucune importance : juge, religieux ou chevalier l'homme ou la femme derrière le costume est toujours le même être existentiel : cet Homme définit par Pascal comme "GRAND parce qu'il sait qu'il est misérable". Le sujet filmé par Bruno Dumont c'est la grandeur infinie de l'humain, sans cesse surprenante, indépassable, qu'il ne faut pas oublier. Et qui ne prend sa source que dans cette conscience aiguë qu'il a de sa propre finitude. Ce qui le tord bizarrement souvent certes, mais c'est dans cette étrangeté qu'il y a de la poésie. Dans cette étrangeté qu'il y a de la joie à partager et plein de surprise. Dumont met en scène ces deux ressorts magiques qui permettent de durer dans la vie : la joie partagée et la poésie. Forces impossibles à quantifier, non mesurables, immatérielles et sans prix, qui échapperont donc toujours au marché !